衛武營本事
經典長存，巴洛克歌劇的璀璨與奇幻
文｜邢子青（資深古典音樂媒體人）
如果和任何一位現代歌劇迷聊起莫札特、威爾第、華格納、普契尼，恐怕話匣子一開就很難停下來，但如果提到三百年前的「巴洛克時期」歌劇，也許不要幾分鐘，這個話題就會打住。
對二十一世紀的觀眾來說，「巴洛克歌劇」似乎有些遙遠，因為遙遠就比較少接觸，也因為少有接觸所以會覺得陌生。事實上，撇開年代久遠的問題不說，如果從表演手法以及感官效果來看，其實巴洛克歌劇和今天的綜藝娛樂節目可說是不相上下。
英國巴洛克歌劇之最
在歌劇發展史上，一般人最先想到的不外乎是義大利、法國、德國等地的歌劇創作，至於英國，或許還能在歌劇老饕的腦海中佔有一席之地，其中的代表人物，就是普瑟爾(Henry Purcell, 1659-1695)。
普瑟爾至今還為人記憶，則是因為他在1689年創作的歌劇《迪多與阿涅亞斯(Dido and Aeneas)》，這部以特洛伊戰爭後續為背景的作品，敘述迦太基女王迪多與特洛伊英雄阿涅亞斯之間的愛情悲劇，其中的管弦樂法、宣敘調與詠嘆調的安排、合唱團的搭配、以及芭蕾舞蹈的穿插，讓這部作品成為英國巴洛克歌劇史上的代表作。至於在這之後的《精靈之后》則又另當別論。
嚴格來說，《精靈之后》並不是正式的歌劇，而是穿插了口語對白、演唱、芭蕾、管弦樂演奏的表演形式。在這種所謂的「半歌劇(Semi-Opera)」演出形式裡，為了配合劇情發展，聲光效果絕對不可或缺，舞台裝置與機關設備相對就更講究。如此一來，觀眾不只享受音樂、舞蹈、戲劇，還能滿足視覺效果，這就是十七世紀當時英國所盛行的舞台表演藝術。
普瑟爾在1692年推出的《精靈之后》，藍本出自於莎士比亞的經典喜劇《仲夏夜之夢》。靈界的夫妻爭執、凡塵的愛情糾葛、精靈之后與驢頭男子的意亂情迷等，光是在劇情上就充滿了引人入勝的趣味，再加上舞台表現方式的「壯觀(Restoration spectacular)」定位，為了製作一齣半歌劇，耗費的人力、物力、財力、以及時間，就算以今天的角度來看，也堪稱所費不貲！即便今天不常見到這齣作品的搬演，但是劇中豐富的舞蹈場景音樂，多少能滿足現代觀眾對於巴洛克歌劇的想像！
法式異國風情，別具風味
普瑟爾的《精靈之后》，除了華麗壯觀的整體效果之外，就音樂方面來說，其實還受到義大利以及法國歌劇的深刻影響，前者對於歌唱旋律的講究，加上後者輕快通俗的風格，雙雙造就了普瑟爾作品的雅俗共賞。
在同時期的法國歌劇樂壇，也正處於大鳴大放的年代。備受「太陽王」路易十四寵信的宮廷作曲家盧利(Jean-Baptiste Lully, 1632-1687)，帶動了法語歌劇的盛行，在他筆下的聲樂演唱，融合了法語抑揚頓挫的獨特語調，除此之外，舞蹈場面更是不可或缺，這些基本要素也構成了往後法語歌劇的創作基礎。
在盧利之後興起的法國作曲家，更是積極地尋求多元化的表現手法，他們融入更多義大利歌劇風格，不只旋律抒情優美，整體更加輕快流暢，很特別的是，異國情調也成了最受歡迎的戲劇元素。其中堪稱佼佼者的作曲家就是拉摩(Jean-Philippe Rameau, 1683-1764)，他的舞蹈歌劇《異邦戀情(Les Indes galantes)》就是典型的例子。
從「舞蹈歌劇(opéra-ballet)」四個字來看，我們就不難了解這齣歌劇的定位，芭蕾與歌唱都是重點，說得更簡單一點，「載歌載舞」是這部作品的特色之一。但拉摩並不僅止於此，歌劇劇情背景還遍及中歐波蘭、近東土耳其、南美祕魯、南亞波斯、以及美洲原住民，十八世紀歐洲人的世界觀–或者說對於歐洲之外地區的陌生與好奇–在拉摩的筆觸之下，顯得趣味盎然。更值得一提的是，拉摩藉著生動的管弦樂法，把風雨來襲、地震情景描繪得栩栩如生，光是這一點，就值得一聽究竟！
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5月20日即將演出的《巴洛克的璀璨與奇幻—歌劇選粹》，邀請目前全球當紅的法國男中音馬克 · 摹雍擔任主要演唱者。
具象與意象，都需要想像！
一首樂曲，除了旋律、節奏、和聲、調性之外，是否還需要文字輔助說明？音樂是否需要標題？沒有標題的音樂，究竟要表達什麼？
以上，都是大哉問，歷來音樂學者各有見解，直到今天還沒有定論。有人喜歡義大利作曲家韋瓦第(Antonio Vivaldi, 1678-1741)的《四季》小提琴協奏曲，不只是音樂好聽，作曲家在各個樂章附上的十四行詩，具體說明了音樂所要表達的情境。換句話說，這種所謂的「標題音樂(Program Music)」，更能帶領聽者「身歷其境」。
不過，換個角度來看，就算沒有標題的音樂，其實也能觸動人心。德國作曲家貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)家喻戶曉的《命運交響曲》，原本只有《第五號交響曲》的名稱，之所以會有「命運」的別稱，完全是出自後人的意會，就連貝多芬也不知道這回事。可是，歷來的欣賞者幾乎都能聽出樂曲背後的弦外之音，所以說，不論是否有「命運」兩個字，都無損於聆聽這首樂曲的心靈共鳴。
就我個人看法，不管有沒有標題，也不論作曲家是否附上說明性質的文字介紹，只要欣賞者有想像力，願意打開耳朵和心靈，即便是再怎麼抽象的作品，也能聽出屬於自己的想像空間。法國作曲家羅貝爾(羅貝爾Jean-Féry Rebel, 1666-1747)的《宇宙四象(Les Élémens)》則是兼具了意象與具象的趣味。
提到「四象」，研究易經的人或許會聯想到「少陽、少陰、太陽、太陰」，也就是「天之四靈」；而熟悉占星學的人則會想到「土、水、火、風」，這四象不只孕育萬物生長，還分別象徵了身體、情緒、能量、頭腦，甚至以此劃分出星座四象。
羅貝爾下筆創作《宇宙四象》的時候，是否有聯想到占星學，這一點我們不得而知，但可以確定的是：西元十八世紀的藝術創作裡，「自然意象」是極為常見的主題之一，這多少和當時的啟蒙運動思想有關，主張「理性」是哲學和文化的唯一依歸。
羅貝爾在他的芭蕾舞劇《宇宙四象》當中，並不急著去探討這麼形而上的話題，他只是想嘗試透過音樂來勾勒「當所有法則規矩降臨世界之前的宇宙景象」。作曲家的親自說明，足以留給聆聽者無盡的想像空間。
從一開始「混沌初開(Le cahos)」樂聲響起的剎那，或許會讓第一次聆聽這部作品的人感到震撼！羅貝爾的音樂設計的確打破了我們對巴洛克音樂的傳統印象，即便在二十一世紀聽起來，這樣的手法依然相當前衛，但卻足以撼動人心，帶來全新的聽覺體驗。聽了這段音樂，再去比較海頓(Joseph Haydn, 1732-1809)的神劇《創世紀(The Creation; Die Schöpfung)》同樣描述開天闢地的情景，我相信您會覺得：羅貝爾的確出人意料！
之後的樂章，羅貝爾分別藉著巴洛克時期常見的舞曲，來創造他所想像的「土象與水象」、「火象」、以及「風象」，樂曲的速度快慢、樂器的巧妙運用，巧妙地連結了羅貝爾和你我的想像空間。
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本次演出的福爾摩沙巴洛克古樂團成員，皆為世界各地的頂尖古樂家，甚至有許多人已是知名音樂學院教授。古樂器大多為木製，與現在使用的樂器相較起來，多了一份溫潤且令人感到幸福的感覺。
Oldies, but goodies
普瑟爾、羅貝爾、拉摩，這三位巴洛克時期的作曲家，雖然時空背景距離今天遙遠，但是他們的作品依然能在今天的音樂會和唱片錄音裡出現，就足以表示歷久彌新。對現代聆聽者來說，抱著嘗鮮心情來聽古早樂曲，我相信您會了解什麼是’Oldies, but goodies’，而且會愈聽愈有味！
節目資訊
5/20 (六) 19:30
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