文｜林仁斌（音樂家、台灣蹦藝術協會理事長）

本篇文章從威爾第創作生涯中的「中期三部曲」出發，以今年旗艦製作《遊唱詩人》為核心，帶領愛樂朋友認識認識威爾第創作生涯中期三部曲：《弄臣》、《遊唱詩人》與《茶花女》。

首先，這三部歌劇完成於1851年至1853年間，代表威爾第（Giuseppe Verdi, 1813-1901）在四十歲前後，已能以高度成熟的劇場掌握能力，將角色、聲部、詠嘆調與戲劇推進緊密結合，形成十九世紀義大利歌劇史上極具代表性的創作階段。

《弄臣》於1851年3月11日在威尼斯鳳凰劇院首演；《遊唱詩人》於1853年1月19日在羅馬阿波羅劇院首演；《茶花女》則於1853年3月6日同樣在威尼斯鳳凰劇院首演。短短兩年之內，威爾第連續完成三部至今仍為世界各大歌劇院核心劇目的作品。若從創作軌跡觀察，《遊唱詩人》正位於這組三部曲的中心位置，一方面延續《弄臣》中對詛咒、父女關係與黑暗命運的關注，另一方面也預示《茶花女》中更集中、更內化的人物悲劇。

《遊唱詩人》是根據西班牙浪漫劇作家安東尼奧・加西亞・古鐵雷斯（Antonio García Gutiérrez）的劇本《El trovador》改編而成的四幕歌劇。義大利文劇本主要由薩爾瓦多雷・卡馬拉諾（Salvadore Cammarano）撰寫；卡馬拉諾去世後，再由雷歐內・艾曼努埃萊・巴爾達雷（Leone Emanuele Bardare）補筆完成。此劇以愛情、身分、復仇與血緣錯置作為核心，透過強烈的聲樂能量與緊湊場景，構成威爾第中期最具戲劇性的歌劇作品。

《弄臣》的戲劇核心，來自「詛咒」與父女關係。

此劇原本題名即為「詛咒」（La Maledizione）。威爾第在劇中將男中音里戈萊托的心理變化置於全劇中心，使臣子的屈辱、父親的保護、怨恨與恐懼，成為貫穿全劇的主要力量。第一幕〈Pari siamo!〉是理解此角色的重要段落，歌詞「我們是一樣的！我有舌頭，他有匕首。」直接帶出角色對自身處境的認知。此處弦樂與低音聲部提供不穩定的音響基礎，聲樂線條隨著語句轉折而改變，形成接近獨白的心理描寫。到了吉爾達的〈Caro nome〉，音樂轉入抒情花腔女高音的高音域，旋律逐漸延伸至花腔與裝飾性歌唱，呈現少女得知公爵姓名後的純潔情感。由此可見，威爾第在《弄臣》中已能以傑出的旋律與豐沛的音樂語法，建立角色的戲劇功能。

接續《弄臣》之後的《遊唱詩人》，戲劇張力更加集中：此劇的特色在於過去悲劇與劇情當下之間的持續牽連。觀眾在欣賞過程中，會同時面對愛情、身分、階級、復仇與血緣錯置等多重衝突。

全劇聚焦於四個主要角色：女高音蕾歐諾拉、男高音曼里科、女中音阿祖切娜，以及男中音魯納伯爵。蕾歐諾拉以抒情長線條呈現信念與情感選擇；曼里科以男高音聲部展現英雄性與行動力；阿祖切娜透過女中音低聲區、敘事性旋律與反覆音型，唱出上一代的火刑記憶與復仇誓言；魯納伯爵則以男中音音色呈現權力、佔有與焦慮。

威爾第在《遊唱詩人》一開始，便以敘事方式建立全劇最重要的背景。第一幕開場守衛合唱〈All'erta! All'erta!〉之後，家臣為了驅散睡意，要求費蘭多講述盧納伯爵弟弟加爾齊亞失蹤的舊事。費蘭多接著唱出〈Di due figli vivea padre beato〉，以低音聲部與合唱構成敘事段落，說明老魯納伯爵家族的前史：伯爵幼子失蹤、吉普賽女人被指控施咒、火刑與復仇。此段音樂的功能，是在劇情正式展開之前，先讓觀眾理解曼里科、阿祖切娜與魯納伯爵之間的悲劇關係。隨著音樂進行，觀眾們立即知曉過去所發生之悲劇，使「傳說」與「恐懼」與同時登場，也為後續阿祖切娜的自述建立對照基礎。

第二幕標題為「La gitana」（吉普賽女人），場景位於山中的吉普賽營地。此景通常由著名的鐵砧合唱〈Vedi! le fosche notturne spoglie〉展開，合唱中的鐵鎚節奏與群體合唱讓人一聽就無比喜愛，更被譽為威爾第最佳大合唱段落之一。隨後阿祖切娜唱出〈Stride la vampa〉。此曲通常被稱為 Canzone，具有民歌與敘事歌性質，但此處功能不在抒情表白，而在於讓阿祖切娜首次向觀眾敘述母親被火刑處死的記憶。

在第一幕中，費蘭多敘述的是魯納家族版本的前史；到了〈Stride la vampa〉，同一事件轉由受害者家族的角度呈現。阿祖切娜看見火焰，回憶母親被綁上火刑柱、群眾圍觀，以及母親臨死前命令她復仇。

威爾第的音樂透過不同角色的歌唱，讓同一悲劇產生多重角度，令人唏噓。阿祖切娜之女中音聲部不以華麗裝飾為重點，而是透過明確節奏、較低聲區與反覆音型，使火焰記憶具有強大的力量，更令全劇後續所有發展，都與這段火刑記憶有關。

而女主角蕾歐諾拉的人物音樂，更是全劇必聽：她在第一幕〈Tacea la notte placida〉中以抒情長線條回憶夜晚聽見曼里科歌聲的經驗；到了第四幕〈D’amor sull’ali rosee〉，愛情已不再是回憶或期待，以真切地轉為愛情的具體行動：她準備向魯納伯爵提出交換條件，並暗中吞下毒藥，使自己無法真正屬於伯爵～是刻骨銘心，犧牲自己的最高愛情境界。

若由《遊唱詩人》再往後續看，同年首演的《茶花女》則將威爾第的戲劇焦點轉向近代社會、女性處境與病榻生死告別：

《茶花女》薇奧麗塔的音樂設計，又呈現不同，更展現威爾第對聲部功能的精準掌握：第一幕〈Sempre libera〉以花腔與快速音型呈現角色對自由生活的堅持；第二幕在與喬治・傑蒙的對話中，旋律線條轉為更具敘事性與情感轉折；第三幕〈Addio, del passato bei sogni ridenti〉則以簡化的節奏、較短樂句與脆弱的聲樂線條，呈現病榻上的最後告別，曲曲動人，全球喜愛。

從《弄臣》的詛咒、《遊唱詩人》的烈火，到《茶花女》的病榻，威爾第在兩年之內完成三種不同的歌劇世界：《弄臣》以詛咒與父女關係形成悲劇，《茶花女》以社會壓力與身體消耗形成悲劇，《遊唱詩人》則把悲劇建立在錯誤的血緣關係、火刑記憶與世代復仇上。

《遊唱詩人》更以直接的聲樂能量、鮮明的角色對照與強烈的節奏推進，展現義大利歌劇舞台上「聲音即戲劇」的強大力量。

今年衛武營推出威爾第《遊唱詩人》旗艦歌劇製作，正是重新認識這部作品的最佳時機。對喜愛威爾第歌劇的觀眾朋友而言，不但能欣賞此次衛武營精心設計的舞台、服裝到製作，更能從《弄臣》到《茶花女》的創作脈絡中，看見《遊唱詩人》如何以火焰、記憶與復仇，完美建構成威爾第中期歌劇三部曲永恆經典之地位。

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9/3(四)-9/6(日)

►威爾第歌劇《遊唱詩人》